Sí, creo que hay algo de eso, porque también valoro mucho la poesía. Cuando era chica memorizaba poemas chinos antiguos y percibía los estados que me transmitían. En la literatura china, estos poemas son la forma más sintética que existe de descripción: no pueden superar los veinte caracteres, tienen que relatar algo, tienen que contener un paisaje y una rima, y los ideogramas que se usan tienen que ser lo más estéticos posibles. Algo de esa experiencia quedó muy profundo dentro de mí y hasta el día de hoy sigue encaminando mi búsqueda cuando trabajo: busco síntesis, belleza formal y transmitir un estado emocional.

El formato pequeño tiene que ver con mi vida más itinerante. Nunca tuve espacios grandes, un espacio estable durante mucho tiempo o un espacio de trabajo propio; por eso el formato pequeño acompañaba la necesidad de moverme más rápido. A su vez, tampoco sentía el espacio de taller como algo imprescindible; porque mi vida, mis estados y mis emociones son mi lugar de laboratorio y mi combustible. Mi arte tiene que ver con mi vida y con el feedback de las cosas que me van pasando.

Cada uno de mis dibujos incluye recuerdos de momentos de mi vida. Aunque no son la anécdota en sí, sino que cuentan una nueva imagen, pude hacerlos gracias a ciertas cosas que me pasaron. Después de algunas experiencias, es como si se acumularan cosas dentro de mi cuerpo que van ocupando un lugar y cuando siento que ya no puedo tenerlas más, las vuelco en un dibujo. Por eso, creo que mis dibujos son autobiográficos (aunque no me ponga en primera persona) y cuando alguien los compra siento que se va algo que está muy ligado a mí.

Si bien soy muy lenta procesando un sentimiento hasta que se traduce en una imagen posible para mí, la acuarela tiene una inmediatez que me interesa mucho. Al momento de dibujar todo sucede en dos o tres horas, porque estoy condicionada por la relación entre el agua, el color y el papel. Al mismo tiempo, en la acuarela hay algo de lo efímero y de la imposibilidad de corrección que también me atrae.

Al papel nunca llego en blanco, sino cuando sé que hay algo que quiero exteriorizar o decir. Antes de empezar, hago un dibujo mental y después son dos o tres horas que necesito estar muy concentrada y en general el trabajo queda listo. Pero muchas veces, hago otra acuarela muy parecida con modificaciones o correcciones en base a la primera, y finalmente elijo una de las dos.

Por sobre todo, a mí me interesa la percepción de la belleza y creo que la mirada es lo primero que te permite crear o trabajar, es decir dónde ponés tu mirada o tu atención. Considero más importante el observar que el hacer. En el caso de las acuarelas, me di cuenta que mi observación estaba en el detalle cuando comenzaron a llamar mi atención las manchas de agua y la manera en que la tinta va haciendo un degradé. En el caso del cine, hay una frase de cabecera que dice: “En los detalles está Dios”. En el set te das cuenta que si estás en los detalles, estás haciendo un trabajo muy bueno. Sin embargo, no quiero que sea una obsesión o algo forzado, sino un acto consciente y de búsqueda de cierta armonía en ese detalle.

Creo que sí, porque recuerdo que cuando era chica y leía Mafalda, miraba mucho cómo era su casa, qué ropa tenían puesta, cómo era el almacén o las calles. Además, cuando llegué a Argentina me volví más perceptiva, porque no hablaba el idioma y me habitué a registrar sensaciones. La observación se trata de ver y registrar todo lo que hay en cada lugar al que voy. Siempre me preguntan cómo me referencio y mucho viene de la vida real: por ejemplo, observar a una persona que trabaja en un banco, cómo es su entorno, cómo se viste, qué cosas usa, etc.

Me proyecto en un posible espectador con la ilusión de que le pase con mis obras lo mismo que me pasa a mí cuando estoy en presencia de obras que me inspiran y que me generan sensaciones muy buenas de aprendizaje y/o de descubrimiento. Cuando una obra me atrae mucho es porque me hace eco y me conecta con algo personal que a su vez me abre una puerta interior nueva hacia un espacio por explorar. Hay algo de todo ese mecanismo que siempre lo registro, ya que genera más riqueza en la búsqueda propia.

En cine me resultan motivadores directores como Tarkovsky y Terrence Malik, porque son muy sensoriales y más allá de la historia generan todo un mundo de sensaciones que ofrecen a través de la imagen. En pintura siempre me alucinó la obra de Turner, sobre todo las acuarelas de sus últimos años de vida en las que llegó a la síntesis absoluta. Empezó siendo muy académico y después se abrió a vivenciar sus viajes para plasmarlos en sus obras e incluir sus sensaciones.

Pienso que surge de la necesidad de dejar un registro acerca de lo que sentís, lo que te pasó y tu forma de ver el mundo. En mi caso, es un constante movimiento en el que espero tener siempre la posibilidad de seguir encontrándome y seguir abriendo puertas dentro de mí.