La acumulación, el cruce de estilos, la metamorfosis y la preferencia por personajes y objetos
marginales son conceptos clave a la hora de pensar la obra de Julio Hilger. Desde un lugar foráneo, el
artista invade la arquitectura de la galería con enormes cantidades de tela. Habituado a ocupar la sala
con esculturas verborrágicas, esta vez el dibujo toma la palabra y extiende una gran lengua en l
exposición. Con sentido del humor y osadía, “Fantasía Caqui” oscila entre instalación y obra de pared,
escultura y escenografía teatral.
Una comunidad de personajes conviven en una utopía donde todo cae en su justo lugar, pegando saltos
entre dibujos y esculturas con total naturalidad. Hay en las obras un clima cute matizado por una
sensibilidad punk, creado por imágenes colmadas de ternura que si no fuese por el tratamiento
acumulativo, monocromático y humorístico correrían el riesgo de empalagar. Cada una de las piezas
envuelve un universo de perros, gatitos, arlequines, bocas sonrientes, jarrones, bodegones a medio
hacer y encuentros en mesa de tablón. Hilger nos enseña una convivencia que alucina por la naturalidad
en la que estos personajes se entienden uno encima del otro. Un cactus con brazos con caras y un
conejo subido a una columna dórica miran sonriendo al espectador dando a entender que nada de lo
que ocurre en la tela es forzado o antinatural, sino al contrario: son parte del lenguaje cotidiano de
Hilger.
Sin discriminar el origen de la imagen, el artista trabaja meticulosamente las escenas en la tela. Frutas,
jarrones, esculturas o stickers de celular a los que nadie presta atención, Hilger retoma estas
referencias entendiendo que así como muta el lenguaje verbal lo hace también la imagen. Recurriendo al
mecanismo de la apropiación, retoma coloquialismos visuales a la vez que rescata los detalles y
personajes de fondo del gran relato del arte. Su investigación no busca solamente trabajar con el nuevo
lenguaje virtual sino también prestar atención a apariciones marginales en la historia del arte. Con el fin
de re-contextualizar, y señalar estas figuras como parte del todo, compone con elementos que
construyen estos grandes relatos, por más que no siempre sean advertidos.
En esta utopía del lenguaje el trabajo de Hilger reflexiona. Así como las imágenes pueden transferir
conocimiento sin el uso de las palabras, ese fenómeno se trasladó al universo del chat: donde los
memes y los stickers hablan por nosotros, como habitantes de un nuevo idioma que se vuelve cada vez
más común y que no tiene traducción ni necesita una. Hilger se apropia de esa articulación, de manera
natural la lanza en la tela, y la cruza con un jarrón griego o una manzana tomada de un cuadro de
Cézanne, con el planteo de que el compromiso de esta generación con la imagen es otro: emocional
pero distante. Un arlequín o un perrito tierno pueden ser una vía para hablar de algo íntimo pero también
para hacer una broma, nunca queda claro qué pasa entre esas imágenes que se usan como palabra. Hay
algo fascinante en la falta de fronteras entre las ideas, donde hay matices que nunca terminan de
definirse y el significado se vuelve pantanoso.
Es en ese espacio lingüístico donde trabaja Hilger. El registro entre lo punk y lo tierno, lo manierista y lo
grotesco que habita en sus obras maneja un contenido generacional pero a la vez universal. Una
reacción propia de un tiempo en el que los soportes enunciativos redefinen la manera en que nos
comunicamos y mezclan las fronteras entre los clásicos centro y periferia, estética y cultura, coloquial y
formal.

Clara Ríos, noviembre 2021.